Thomas At Roof ：屋頂上可以玩仙女棒

從一開始要客觀地描述這個展覽，就是一件困難的事情。首先這是一個看來非正式的展覽，展出的地點在一個工作的頂樓而非藝廊，因此很難放進既有的藝術藝廊體系中分析。再者，我自己也是參展者中的一員，更多時候我看到的是內部的歧異，而非外在的共性。更大一個問題是，我不知道歸納是不是一件恰當的事情，不論是以地域為單位（台灣），或是以藝術史為原則，對我以及其他的藝術家而言，都是有點奇怪的事情。

鄭弘敬

陳以軒

比較吸引我興趣的，一開始是這些人的背景。大部分都不是報導攝影出身，也不是台灣藝術學院畢業，而多半是有留學的背景，譬如從日本、法國，美國學習藝術攝影。而沒有留學經歷的創作者，也可能來自於一個非典型的攝影領域，譬如拍攝樂團。我在猜想這或許多少決定了這個展覽的方向：也就是沒有具體（典型）的對話對象。因為一開始，我們就不像報導攝影家這樣面對社會，也不像是藝術學院的學生，即使畢業之後，某種程度還是需要考慮同儕與老師。相較之下，我們只是游離在各種體系之外的人，舉辦了一個對於藝術生涯、生計乃至於整個社會沒有立即連結的聯展。

王湘靈

觀看的人可以猜想這是一群在體制之外的藝術家，雖心所欲的做自己想做的東西，像藝術史上現代主義藝術家那樣的異議團體。但事實上又並非這樣。我無法估量這些創作者心中有多少現代主義的成份，但是有一點是絕然不同的，那就是這些藝術家並不想提出一個全面性的宣言。而且大多數的台灣藝術家其實都不在體系之中，如果體系意味著一個健全的產業，所以要說我們是要對抗一個學院體制也並不準確。

李浩

這個展覽如果真的要提出一個主題（雖然這從一開始就被刻意地淡化），我認為是攝影的物理性。譬如李浩用不斷翻印的方式來讓原本的影像畫素逐漸遞減，同時出現了影印機的顆粒。類似方法的還有陳藝堂，他將大量翻印的照片放在盒子之內供人自由取用。鄭弘敬將照片貼在天臺的地板上，然後再貼上黃色的長條膠帶。當你站在照片上，會感覺彷彿置身於一個照片組成的平台。楊雅淳把服裝照片貼在浪板之上，讓衣服的皺褶因為這些起伏的表面而變得更生動，甚至出現三維的錯覺。李承翰與汪正翔合作的計畫，將照片打成紙漿，其中一部分用來種綠豆，另一部分則直接做成紙，然後再輸出為照片打碎。陳以軒把影像列印在多張影印紙之上，然後連接起來，架設在兩根木竿之上，照片在此物質性的姿態之美很容易被表現出來。王湘靈根本瓦解照片作為一個物體（但也因此凸顯），她讓觀看者掃描現場的QR code，然後看到上傳作品的頁面。藤井智也（Tomoya Fujii）將照片置放於地上，然後有一根尺擺在作品旁邊，原來用來觀賞的圖像，因此成為了測量的單位，又或是被測量的對象。

藤井智也（Tomoya Fujii）

我們可以看到照片的長度、材料（紙質）、形狀（波浪）等等物理的性質在這次展覽中被放大，但這樣的操作並不只是將照片當成一個物質，也涉及照片跟自然的關係。攝影出現之時，如班雅明所觀察，攝影將自然不斷的轉化為一種歷史（封閉）的感知形式。那現在這些創作者，他們將試圖打開這個邊界，重新讓自然介入，讓風、讓油墨的衰退，甚至讓天光，影響那個已經被固定的照片。就像是照片VR（汪正翔、李承翰）這個裝置，讓觀看者面對一張空曠的展場（屋頂）的照片，然後因為天光從背後透入，所以看起來像是真的一樣。又像是陳藝堂最後被雨水澆淋到幾乎報廢的盒子，它看起來就像是一個刻意做成的作品，但是一開始完全無法預料。

李承翰、汪正翔

陳藝堂

很有一回事的說法就到這裡為止了，這個展的另一面就是我們大家都很懶散，討論很難有共識，辦完也不知道到自己在幹嘛。但是這就不得不說在這樣沒效率的氣氛之下，策展人依秋也沒有爆氣（還是偷偷爆了我們不知道），大家也居然產出了東西，某種程度上，我覺得這反映了我們一種心態，就是大家有自己創作的步調，所以即使沒有煞有其事地樣子，或是一堆炫目的創作與展覽理論，大家也是能夠在一種癮微的狀態下交換意見，甚至完成作品。我甚至覺得我比較喜歡這樣，比起那些積極飽滿的做法，那種與各種藝術或社會議題有強烈連結的作品，我們只是在有限的條件下完成一個作品，如果要說有什麼意義，那也只存在於作品內部的形式關係，而和作品之外的「意義」無涉。

楊雅淳

所以不要再問我們要幹嘛了，如果我們已經在體制之中，已經知道如何生存，已經思考清楚攝影與藝術的方向，那也許我們就不會在屋頂上展覽，因為我們有別的事情好忙。又或著，不要那麼耍廢一點的講，我覺得這就是我們目前可以做的事情，在攝影與藝術交纏的今天，我們把攝影的元素抽離出來，然後用攝影來創作，而不只是攝影創作。

文字｜汪正翔

攝影｜陳以軒